La fotografía está presente en múltiples áreas creativas, puede ser ella misma la que inspire a crear o un lugar el que nos inspire a ser fotografiado. Hoy os hablamos de los mejores directores de fotografía, qué papel ocupan y cómo han logrado ser considerados los mejores.
¿Qué es un director de fotografía?
Cuando hablamos de directores de fotografía hacemos referencia al mundo del cine, la televisión o el vídeo. Son los profesionales encargados de la creación artística de imágenes, en qué escenario es el más adecuado para realizar una determinada toma y cómo se puede enlazar con lo que sucederá a continuación.
No es un trabajo que uno pueda tomarse a la ligera, estamos hablando de que aquel que es capaz de crear en su mente toda una secuencia y ser capaz de ver el potencial de un lugar, de la iluminación, el encuadre, la composición de la escena… Es más allá de mirar a través de un objetivo e inmortalizar un momento, es crear.
Los directores de fotografía trabajan mano a mano con el director, de ahí que podamos encontrarnos sus nombres muy entrelazados. Si miramos la evolución de las películas podemos ver puntos de inflexión, cómo ha habido grandes directores de fotografía que han conseguido que lo que vemos lo vivamos con la emoción esperada, la idónea; han potenciado los guiones, los actores, las escenas… para darnos algo que impacte.
Los mejores directores de fotografía
Si pensamos en el mundo del cine, nos encontramos con grandes directores de fotografía que han podido pasar desapercibidos tras los nombres de los directores de la película.
Gregg Toland
El primer gran director de fotografía en el cine estadounidense fue sin duda Gregg Toland. Antes de su llegada, en las décadas de 1920 y 1930, los gerentes de iluminación hicieron un uso bastante simple del blanco y negro. En la práctica, lo usaron solo para separar los distintos niveles de la escena y dar profundidad de campo. Toland, en cambio, en unos pocos años pudo revolucionar el sector, antes de que una repentina trombosis coronaria lo matara, en 1948, con solo 44 años.
En Hollywood debutó como camarógrafo, y pronto se ganó el respeto de los directores y la participación en las decisiones. Su primera película importante fue El Capitán Drummond de 1929. A esto siguió la Noche de bodas de King Vidor y el Sargento de Hierro , que le valió su primera nominación al Oscar en 1935. A partir de entonces, su fotografía causó más y más sensación. Trabajó con todos los grandes directores de la época como William Wyler, John Ford o Howard Hughes así como Orson Welles, siendo director de fotografía de la gran obra maestra de este, Ciudadano Kane.
John Alcott
La asociación de John Alcott con Stanley Kubrick fue probablemente uno de los mejores regalos que los amantes del cine hayan recibido. Habiendo estudiado la iluminación y sus posibilidades naturalistas, primero llamó la atención del director mientras filmaba 2001: A Space Odyssey y luego fue promovido a camarógrafo de iluminación. Posteriormente sería responsable del desarrollo de técnicas innovadoras que transformarían el cine.
El largometraje destacado de Alcott como director de fotografía fue La naranja mecánica (1971). Cuatro años más tarde, volvería a trabajar con Kubrick en Barry Lyndon (1975), que puede haber sido, desde una perspectiva estética, el punto más álgido de su carrera. Durante sus trescientos días de rodaje, casi no se usó luz eléctrica, lo que era aún más difícil debido a limitaciones técnicas, y por lo tanto, la NASA diseñó y produjo una lente especial (F / 0.7) exclusivamente para la película.
Cinco años más tarde, el uso de John Alcott de la Steadicam en El resplandor (1980) innovaría los movimientos de la cámara y perpetuaría su merecido reconocimiento entre los mejores cineastas.
Néstor Almendros
Néstor Almendros nació en España y se mudó a Cuba cuando tenía dieciocho años para vivir con su exiliado padre antifranquista. En La Habana, fue cofundador del primer club de cine del país y escribió críticas de cine. Todavía en Cuba, comenzó a trabajar como cineasta. Sin embargo, estaba frustrado con la Revolución Cubana y se mudó a París, donde se convertiría en una figura importante de la Nouvelle Vague.
Durante los años sesenta, tuvo una sociedad próspera con Eric Rohmer, que comenzó con su primer largometraje como director de fotografía, The Collector (1967). Más tarde trabajarían juntos en algunas de las películas más importantes de la época, entre ellas My Night With Maud (1969), Claire’s Knee (1970) y Chloe in the Afternoon (1972). También trabajó con otros directores importantes del movimiento francés, incluido François Truffaut (El hombre que amaba a las mujeres [1978], Love on the Run [1979]).
A finales de los setenta, Almendros ya había fotografiado películas sobresalientes. Pero fue entonces cuando comenzó su carrera en Hollywood, y demostraría ser uno de los mejores cineastas del mundo. Almendros trabajó continuamente hasta su muerte en 1992, y entre las películas que fotografió en Hollywood se encuentran los Días del cielo de Mallick (1978), por la que ganó un Oscar: Kramer vs. Kramer (1979) y la deslumbrante La decisión de Sophie (1982).
Almendros fue fuertemente influenciado por el cine negro y, por lo tanto, un maestro en iluminación. Aunque sus habilidades técnicas son innegables, creía que las dos características más importantes en un cinematógrafo son la sensibilidad y la capacidad de trabajar «como depositario o transmisor de progreso o descubrimientos en lo que se ha llamado» lenguaje cinematográfico «. Su filmografía muestra que tuvo éxito.
Robert Richardson
Todos hemos escuchado hablar de Quentin Tarantino y Martin Scorsese (¿y quién no?), pero puede que el nombre de Robert Richardson no nos resulte tan familiar. Este director de fotografía es uno de los colaboradores habituales de ambos, ganador de tres premios Óscar por películas como El aviador, JFK y Hugo.
Janusz Kaminski
Nativo de Polonia, Janusz Kaminski logró el reconocimiento internacional con la Lista de Schindler (1993), que le otorgó siete premios, incluido un Oscar, a la Mejor Fotografía. La película también marcó el comienzo de su asociación continua con Steven Spielberg, cuyas siguientes quince películas, dos por terminar, tenían a Kaminski como director de fotografía.
Entre las obras maestras que este dúo nos ha dado, una que exige especial atención es Salvar al soldado Ryan (1998), en la que fotografió una de las escenas más increíbles de la historia del cine: la batalla de Normandía.
Las referencias para las elecciones estéticas durante el rodaje de la batalla fueron películas originales realizadas por el Ejército durante la guerra. Kaminski luego usó técnicas raramente vistas en películas, como restaurar lentes viejas para lograr una imagen más nebulosa y granulada, y por lo tanto realista.
Aunque sus obras más notables fueron filmadas con Spielberg, Kaminski también participó en producciones más pequeñas, como The Diving Bell and the Butterfly (2007).
Gordon Willis
Habiendo nacido en Hollywood, el padre de Gordon Willis era un hombre de maquillaje, así que los intereses de Willis siempre estuvieron relacionados con el cine. Al principio quería ser actor. Sus actuaciones en el teatro lo llevaron al backstage, donde aprendió mucho sobre la iluminación. Más tarde, esto lo ayudaría a convertirse en uno de los cineastas responsables de la estética creada en la película durante los años 70. Lo que tenían en común los directores de la época que inmediatamente surgieron (Francis Coppola, Woody Allen, Alan Pakula) era este destacado director de fotografía que los respaldaba.
En su filmografía, uno encontrará muchas películas notables, entre ellas la trilogía de El padrino (1972, 1974 y 1990) y Todos los hombres del presidente (1976). Sin embargo, su asociación más duradera fue con Woody Allen y comenzó con Annie Hall (1977). Luego lanzarían una película cada año hasta 1985.
Entre estas se encuentran algunas de las consideradas las mejores películas de Allen: Manhattan (1979), Zelig (1983) y The Purple Rose of Cairo (1985). El director siempre dice que «Gordie» le enseñó mucho y que era un verdadero artista. Un rápido vistazo a la lista de películas de Gordon Willis confirmará esta suposición.
Vittorio Storaro
También nos encontramos con Vittorio Storaro, quien es uno de los mejores directores del cine y que ha sido galardona también con tres premios Óscar. Su primer éxito fue en 1979 con la película Apocalypse Now, que estaba dirigida por Francis Ford Coppola; el siguiente premio fue por Rojos y, el tercero por El último Emperador. Ha recibido una cuarta nominación en 1990 por la película Dick Tracy.
Nacido en Roma en 1940, estudió en el Centro Sperimentale y debutó con los primeros largometrajes a finales de la década de 1960. Ya en 1970, sin embargo, firmó la luz de tres películas importantes como The Conformist y Spider Strategy , ambas de Bernardo Bertolucci, y The Bird with Crystal Feathers de Dario Argento .
Fueron precisamente las películas con Bertolucci, que también incluían El Ultimo tango en París , Novecento y El último Emperador, las que le abrieron las puertas de Hollywood. En 1979 fue llamado por Francis Ford Coppola para Apocalypse Now , que es quizás su obra maestra.
Apasionado teórico de su profesión, también fue quizás el primero en traer la teoría del color desarrollada por Goethe al mundo del cine.
Emmanuel Lubezki
Emmanuel Lubezki es otro de los profesionales de este sector que está destacando en el mundo del cine con su capacidad para la imagen. Ha ganado el premio Ariel en repetidas ocasiones por películas como Como agua para chocolate, Miroslava y Ámbar. El Óscar se lo llevó por Gravity y ha sido nominado hasta seis veces por películas como Sleepy Hollow o Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia).
Jack Cardiff
El británico Jack Cardiff fue el primer director de fotografía en ganar, en 2001, un Oscar honorario en la historia de los Premios de la Academia. La razón detrás de esto es que su destacada carrera comenzó con películas mudas primordiales y duró hasta el siglo XXI, conteniendo alrededor de un centenar de películas.
Michael Powell lo describió como «un genio, un soñador, un bebé. Debería haber sido pintor en lugar de ser el mejor camarógrafo en color del mundo «. Aunque su trabajo más conocido es por su cinematografía, también dirigió muchas películas y trabajó en casi todos los departamentos de producción cinematográfica: dirección de arte, edición, efectos visuales e incluso actuar (por primera vez a los cuatro años).
Cardiff ganó su primer Premio de la Academia a la Mejor Fotografía con su hermoso trabajo Technicolor en Black Narcissus (1947). Luego ganó nuevamente con War and Peace (1956) y por tercera vez con Fanny (1961). Entre los más grandes directores con los que trabajó están Alfred Hitchcock, Michael Powell, Emeric Pressburger y John Irvin.
Un documental llamado Cameraman – The Life and Work of Jack Cardiff (2010) se sumerge en la trayectoria de este notable artista de una manera muy poética y es muy recomendable.
Sergey Urusevsky
Sergey Urusevsky fue uno de los cineastas soviéticos más influyentes. Su interés por el diseño gráfico y la fotografía comenzó muy temprano en su vida, y antes de la Segunda Guerra Mundial estudió con muchos artistas constructivistas en Moscú. Durante la guerra, fue fotógrafo de combate. Las características del constructivismo luego tendrían un lugar importante en su producción como cinematógrafo.
En sus primeros años como Director de Fotografía, trabajó con Yuli Raizman, Vsevolod Pudovkin y Grigoriy Chukhrai, entre otros. Su película más conocida de esa época es The Forty-First (1956) de Chukhrai. En ese mismo período trabajó en su primera colaboración con el director Mikhail Kalatozov, The First Echelon (1955).
Esta asociación enriquecería el estilo de los cineastas y le daría reconocimiento internacional. Su admiración por la forma cinematográfica encontraría su máxima expresión. En ese momento, creó una técnica muy innovadora en la que la cámara narra la película, que fue ampliamente utilizada en la cinematografía rusa, y que tuvo su punto más alto en El arca rusa de Sokurov (2002).
Las dos películas más notables de su colaboración con Kalatozov son The Letter Never Sent (1959), que se sabe que influyó en Apocalypse Now y Soy Cuba (1964), su último y probablemente más importante trabajo como director de fotografía.
